Saint Jérôme, école Anversoise vers 1550

... squelettique habituellement illustré est remplacé ici par un homme plus jeune, musclé, affichant une belle chevelure et barbe. Cette rupture iconographique se poursuivra tout au long du XVIe siecle influencée par le mouvement humaniste qui se développe à cette époque. A la Renaissance, Saint Jérôme deviendra ainsi le symbole de la réunion de la pensée chrétienne avec la philosophie de l'antiquité gréco-romaine.

Notre artiste représente saint Jérôme abrité dans une grotte lors de sa retraite dans le désert. En plein acte d'adoration et pénitence, agenouillé devant le crucifix il s'apprête a se frapper avec une pierre, tout en regardant vers le haut.
Il est habillé d'un chemisier blanc (symbole de pureté) et enveloppé dans un ample manteau rose du cardinal. Ses habits laissent entrevoir son torse, son bras et son genou gauches.
Le lion, le compagnon du saint, est allongé près de lui, il regarde le spectateur avec ses grands yeux noisette et surprend par son visage aux traits humains.
Le crucifix est placé derrière une dalle en pierre où une inscription en lettres gothiques confirme l'identité du saint. Le chapeau de cardinal est jeté à terre. Un évangile à couverture rouge est posé sur la pierre.
Le visage du saint affiche les traits fins et réguliers, les cheveux blancs brossés en arrière dégageant le front, sa moustache et sa barbe longues. Son regard méditatif et serein de ses yeux levés vers le ciel contraste avec la tension de son corps, sa bouche à demi-ouverte figée, sa main serrant fortement la pierre, rendant les muscles, tendons et veines enflés traduisant la résistance corporelle du saint dans son acte de flagellation. Une approche illustrant que derrière un Saint des écrits chrétiens se cache un homme ordinaire.
Ce corps d'un homme mature, aux muscles saillants surprend d'ailleurs par la blancheur aristocratique et la transparence de sa peau révélant les veines bleutées.
Le travail des drapés est particulièrement réussi, démontrant une forte influence gothique aux plis casses et angulaires. Un éclairage fort affiche les transitions entre l'ombre et la lumière. Les couleurs dégradées allant du pourpre au blanc, en passant par toutes les nuances de rose distinguent les creux et les crêtes. Les bords de sa tunique sont ornés d'un motif exécuté en sgrafitto.
La grotte s'ouvre sur des paysages de chaque côté, ils sont délibérément reproduits à différentes hauteurs, à gauche un paysage vallonné avec deux châteaux et une chapelle ermite au pied d'une montagne, avec un chemin sinueux devant. À droite, en revanche, une zone plus basse avec une bâtisse clôturée. Ces paysages de la campagne flamande permettent de positionner le saint dans l'espace-temps contemporain à l'exécution de l'œuvre.
Même si le paysage n'est pas le sujet principal de notre tableau, il étonne par ses précision et réalisme et prend une certaine autonomie dans la composition grâce au procédé de la veduta, ouverture sur l'environnement extérieur.

La figure du saint se détache sur fond brun de la grotte, la terre aride est parsemée de petits groupes de végétation très finement peints, aux feuilles et fleurs minutieusement dessinées. Ces brins végétaux rappellent les marges de feuillets de livres d'heures. Un aspect témoignant indéniablement de l'influence gothique.

La palette froide est dominée par les dégradés bleus verts du paysage au rose glacé de la tunique. L'alternance des plans couleurs contribue à construire la profondeur: brun pour le premier plan, vert pour le deuxième plan, bleu pour les lointains.
L'attention portée aux détails, le modelé du personnage ainsi que les larges drapés sculpturaux conçoivent une œuvre d'une grande sensibilité et d'une grande qualité esthétique.
Comme c'est le cas pour de nombreuses œuvres exécutées à cette époque, l'identité de notre artiste demeure inconnue. Cependant il est évident que sa source d'inspiration se situe dans les œuvres et le travail de plusieurs peintres de son entourage artistique.
Le traitement des drapés est très voisin des œuvres de Bernard van Orley ainsi que le crucifix qui est identique à celui de St Jerome au musée de Cadiz (Espagne), cependant Van Orley continue à suivre le modèle archaïque d'un vieillard amaigri.
Finalement l'œuvre le plus proche tant par sa figure centrale et sa composition avec ouverture sur deux paysages que par sa palette froide est un tableau issu d'une collaboration entre Lambert Van Noort et Henri de Bles (pour paysage), St Jerome pénitent conservé au musée de Namur, Belgique. Ce Saint Jérôme affiche comme celui de notre tableau un corps sain, harmonieux et musclé.
Il devient évident que notre œuvre à cheval entre deux influences et styles marque une nouvelle étape dans la peinture anversoise, abandon progressif des préceptes de l'art gothique tout en bousculant les archétypes de l'art religieux au profit de l'art de la Renaissance guidé par la vision humaniste et la place centrale réservée à l'homme.

Très important cadre tabernacle, Italie, XVIe siecle
En bois doré richement sculpté, il se présente sous forme d'un portique d'un temple antique aux pilastres cannelés aux chapiteaux ioniques appartenant au répertoire de l'architecture classique. Il se compose d'une large corniche moulurée et à décor de divers frises de fleurs poinçonnées suivie par un entablement à compartiments décorée= d'une frise de rinceaux dorés sur fond noir réalisée avec la technique de sgraffito. La base est ornée de rinceaux feuillagés dorés sur fond noir. Le piédestal est orné en façade et sur les côtés d'ornement doré sur fond noir en sgraffito*.
*Sgrafitto: technique très utilisée à la Renaissance consistant à appliquer deux couches de peinture et gratter la couche supérieure pour faire apparaître les motifs.