Par Galerie Nicolas Bourriaud
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Sculptures et bronzes des XIXe et XXe siècles
Bronze à patine brune nuancée, signé "JB Carpeaux", porte le cachet propriété Carpeaux
Circa 1870
Biographie :
Né à Valenciennes dans une famille modeste, Carpeaux déménage avec ses parents en 1838 à Paris où il se passionne très tôt pour le dessin, l’architecture et le modelage à la Petite Ecole royale, gratuite, avant d’entrer dans l’atelier de François Rude et d’accéder ainsi à l’école des Beaux-Arts. Mettant plus de sept ans à être reçu au grand prix de sculpture en 1854, il part pour quatre ans à la Villa Médicis à Rome où il découvre Michel-Ange, un de ses principaux modèles. De retour en France, il réalise un buste de la princesse Mathilde et se met à travailler pour la famille impériale. Il donnera d’ailleurs des cours au fils unique de Napoléon III et de l’impératrice Eugénie en reprenant les traits d’un petit garçon souriant avec son chien, Nemo (Musée d’Orsay). Connu pour ses bustes empreint de réalisme et de ...
... douceur candide, Carpeaux apparaît comme le parfait illustrateur de l’esprit romantique tant par l’étude de sa carrière que de ses œuvres. Son art, tranchant vivement du néo-classicisme se caractérise par une étude importante du mouvement, du réalisme et un intérêt pour les scènes théâtrales où se mêlent esthétique et recherche de l’émotion. En effet, le sculpteur ne cessera d’incarner l’image d’un peintre souvent mal compris, tentant de transformer le quotidien, l’actualité en de nouveaux mythes mettant ainsi son art au service des sens et de la nature. Recevant de nombreuses commandes publiques, Carpeaux réalise le décor de la façade sud du Pavillon de Flore du Louvre, reconstruit par l’architecte Hector Lefuel. Il va décorer des figures sensuelles et souriantes. En 1861, Charles Garnier a qui l’on vient de confier la réalisation du nouvel Opéra, lui commande un groupe de trois personnages inspiré de la danse pour la façade de l’édifice. Ignorant les conseils de l’architecte, Carpeaux dessine une joyeuse ronde de neuf danseuses, nues et pleine de vie. Véritable scandale, l’œuvre ne cessera de susciter des débats. Concernant notre œuvre, le sujet s’avère comme souvent classique. Ici, nous découvrons une jeune femme debout, dont un drapé recouvre la moitié de son corps dans une extrême précision. Délicatement noué, il évoque toute la sensualité de cette œuvre – jouant sur le jeu du drap- dissimulant le corps pour mieux le montrer. Ce processus, emprunté à la statuaire gréco-romaine comme nous pouvons le voir avec la Vénus d’Arles (fin du Ier siècle av ? J.-C., conservée au Louvre) - renforce le côté sensuel de la scène. Élancée la jeune déesse, dans un léger contrapposto, apparaît au sommet de sa beauté. Les cheveux noués en chignon, les bras levés, elle est présentée tel un modèle pour une œuvre picturale. En effet, sa position théâtrale rappelle que la déesse de la beauté, joue habituellement de ses charmes, notamment à travers des danses sensuelles. Ici, Carpeaux se démarque du modèle néoclassique avec cette exposition du nu sans aucun signe de pudeur. Vénus se présente sous le regard subjugué du spectateur, invité à contempler et admirer l’incarnation même de la Beauté. Cette définition - au cœur des préoccupations artistiques depuis l’Antiquité – ne cessera d’évoluer au fil des siècles. Toutefois, Carpeaux s’inspire ici des toiles de Rubens ou de Boucher, qui par le biais d’un subtil jeu de regard entre le spectateur et la protagoniste, parviennent à rendre tout l’honneur que l’on doit rendre à une telle divinité, qui n’a besoin d’aucun artifice pour plaire.
