Hercules et le taureau, France fin XVIIIe

... originale d'Hercule et le taureau a probablement été conçue et exécutée par Giambologna (1529-1608), sculpteur de la cour des Médicis florentins. Entre 1576 et 1589, Giambologna a fondu un ensemble de six Travaux d'Hercule en argent dans le cadre d'une commande de Francesco Ier de Médicis afin d'embellir la Tribune des Offices à Florence. Bien que les statues soient aujourd'hui toutes perdues, elles ont été bien documentées et il reste plusieurs bronzes relatifs au style de Giambologna.

Le nombre de Travaux d'Hercule créés par Giambologna et ses assistants ne se limitait pas aux six statues destinées au Tribuna, et des bronzes, dans un style apparenté à celui de Giambologna, d'autres Travaux d'Hercule ainsi que de certains travaux parergiques et non canoniques se trouvent encore aujourd'hui dans de nombreuses collections publiques et privées renommées.
Des sources de l'époque mentionnent qu'à partir de 1612 environ, Pietro Tacca (1577-1640), qui avait hérité de l'atelier de Giambologna et avait assisté ce dernier dans l'exécution de la série originale des Travaux d'Hercule, a réalisé lui-même une série de Travaux destinés à être coulés en bronze. On pense que certains des modèles de Tacca sont basés sur ceux créés par Giambologna, mais on suppose que des compositions originales, créées par Tacca, ont été ajoutées afin de compléter la série. Au moins un certain nombre de ces bronzes faisaient partie d'une série commandée à Pietro Tacca par le grand duc Cosimo III de Médicis, dans le cadre d'un cadeau au roi Jacques Ier d'Angleterre. Cependant, le projet ne s'est jamais concrétisé et ce n'est qu'après la mort de Pietro Tacca que la plupart des modèles qu'il avait créés pour ce projet ont été exécutés par son talentueux fils Ferdinando Tacca (1619-1686).
Les Travaux d'Hercule de Giambologna et de ses élèves ont immédiatement acquis une énorme popularité auprès de l'élite de l'époque et de nombreux moulages ont ainsi trouvé leur place dans certaines des collections les plus prestigieuses d'Europe. L'inventaire de la collection du roi Louis XIV, par exemple, répertoriait quinze bronzes des Travaux d'Hercule.

Le présent groupe s'inspire étroitement d'une composition créée par Pietro Tacca et exécutée par son fils Ferdinando, dont un moulage, datant des années 1650, faisait partie de la collection royale française, marqué du numéro "302". Il représente un point culminant de la fonte de bronze florentine du XVIIe siècle et il est attesté qu'il a été offert par Louis XIV à son fils, le Grand Dauphin, en 1681, et qu'il est resté dans la collection royale jusqu'à la révolution française. Un autre moulage doré d'Hercule et le taureau se trouve dans la Wallace Collection de Londres. Cependant, le moulage sur lequel ce groupe est basé est considéré comme une version techniquement plus avancée et améliorée par rapport au moulage Wallace, affichant une qualité supérieure et une composition plus harmonieuse. Le groupe était très recherché et a donc été refondu par divers artistes italiens et français au cours des 17e et 18e siècles. L'un de ces moulages s'est retrouvé dans l'exquise collection Yves Saint Laurent.

Le sujet du présent groupe est généralement considéré comme un combat d'Hercule contre Achelous sous la forme d'un taureau, qui ne faisait pas partie des véritables travaux d'Hercule. Comme tous les travaux canoniques n'étaient pas susceptibles d'être représentés en sculpture, d'autres récits mythologiques de la vie d'Hercule ont été utilisés pour compléter le nombre traditionnel de douze travaux.
Cette histoire raconte que Deianira, fille d'Althaea et du roi Oeneus de Calydon, était courtisée, entre autres, par le dieu du fleuve Acheloüs, mais fut finalement sauvée de l'obligation de l'épouser par Héraclès, qui vainquit le dieu métamorphe dans un combat de lutte pour obtenir sa main. Hercule a vaincu Acheloüs en lui arrachant l'une de ses cornes, créant ainsi la corne d'abondance, symbole classique de l'abondance.
Selon d'autres, cependant, le groupe de bronze représente le combat d'Hercule avec le taureau crétois, l'un des Douze Travaux classiques.

Giambologna

Giambologna est né sous le nom de Jean de Boulogne à Douai, en Flandre, en 1529. Après une formation d'apprenti chez Jacques Dubroeucq, il se rend en Italie en 1550 pour étudier les chefs-d'œuvre de la sculpture classique et de la Renaissance. Sur le chemin du retour, il visite Florence (vers 1552) et se laisse convaincre de s'y installer sous le patronage des ducs Médicis, dont il devient le sculpteur de la cour.
Il a greffé une compréhension de l'aspect formel de la statuaire de Michel-Ange sur une réévaluation approfondie de la sculpture gréco-romaine, telle qu'elle était révélée quotidiennement par de nouvelles fouilles à l'époque. Les représentations ambitieuses de personnages et de groupes en mouvement violent et la finesse technique des œuvres de la fin de l'époque hellénistique, dont la plupart n'étaient pas accessibles aux générations précédentes (par exemple le Taureau Farnèse, fouillé en 1546), ont eu une influence particulière.

Pendant plus d'un demi-siècle, Giambologna domine la sculpture florentine, sculptant une série toujours plus impressionnante de groupes de statues en marbre : Samson terrassant un philistin (1560-62), Florence triomphant de Pise, le viol d'une sabine, Hercule terrassant un centaure. En outre, Giambologna a produit de nombreuses statues de bronze extraordinaires, comme Bacchus, Mercure et Neptune, dont le point culminant est son monument équestre à Cosimo Ier, grand duc de Toscane. Ce dernier fut copié peu après pour les rois de France et d'Espagne.
Vers 1570, Giambologna était devenu le sculpteur le plus influent d'Europe. Outre la renommée que lui apportaient inévitablement ses statues monumentales à Florence, son style se diffusait sous la forme de petites reproductions en bronze de ses chefs-d'œuvre, ou statuettes, qu'il composait de manière indépendante comme d'élégants ornements d'intérieur. Ces statuettes étaient utilisées par les Médicis comme cadeaux diplomatiques pour les chefs d'État amis et étaient également achetées avec empressement par les collectionneurs européens comme exemples du design florentin sophistiqué. Ils étaient particulièrement appréciés en Allemagne et dans les Pays-Bas, où ils étaient illustrés dans des peintures d'intérieurs de galeries à la mode.