Base de candélabre Renaissance et Crucifixion peinte - Ombrie XVIe siècle

... sont devenus la signature d'un style qui allait laisser une marque durable sur l'époque à venir. Ce style est illustré par une préférence pour les images vibrantes et multicolores, accentuée dans ce cas par l'utilisation du rouge et du rose dans les vêtements du saint.
Un ajout notable, introduit plus tard, est une croix polylobée peinte sur les deux faces. D'un côté, la Crucifixion est représentée de manière vivante : le traitement du corps lui-même est conforme à la pratique du Haut Moyen Âge, soulignant le pathos en montrant Jésus mort, les bras affaissés par le poids du corps. La partie supérieure montre un pélican picorant sa poitrine pour nourrir ses petits de son propre sang, symbole du sacrifice du Christ sur la croix, dont le corps et le sang nourrissent de la même manière le célébrant pendant la messe.
La partie inférieure représente le Golgotha. Au verso, la Résurrection est artistiquement présentée dans une iconographie de la Renaissance, rappelant la célèbre composition peinte par Piero della Francesca, aujourd'hui conservée au musée civique de Sansepolcro. En termes de composition, avec la représentation frontale du Christ tenant l'étendard, ce motif s'est particulièrement répandu en Italie centrale, de la Toscane à l'Ombrie, tout au long du XVIe siècle.
La construction à double face suggère qu'elle a pu également être portée lors de processions liturgiques. En Ombrie, à partir du XIVe siècle, l'utilisation de croix portatives peintes sur les deux faces était devenue une pratique courante, destinée à satisfaire la clientèle monastique qui avait considérablement augmenté à la suite de l'établissement de nouvelles communautés religieuses.
Les plus anciens crucifix peints toscans conservés représentent le Christ en Christus Triumphans, ou "Christ triomphant", la tête haute et les yeux ouverts. Cette forme a été supplantée au XIIIe siècle par le Christus Patiens, ou "Christ souffrant", qui est souvent représenté la tête tombée sur l'épaule et les yeux fermés, comme sur notre croix. L'iconographie du Christ souffrant semble s'être développée à partir d'un nouvel intérêt pour la nature humaine du Christ, du développement de la fête du Corpus Christi et de l'importance accrue accordée à l'Eucharistie. Le processus d'humanisation de la figure du Christ atteint son apogée avec l'abandon de toutes les conventions expressives antérieures au profit de détails plus réalistes que nous pouvons observer sur ce crucifix, tels que le ventre gonflé, les bras tendus à la limite de la déchirure musculaire, le corps tombant lourdement vers l'avant, le sang abondant sur les plaies et la croix fermement ancrée dans le rocher du Calvaire.
Il convient de noter que les candélabres de la Renaissance ont souvent subi des modifications ultérieures, comme ici l'ajout de la croix polylobée. Cette modification, bien que postérieure à la création originale, n'en a pas diminué la valeur artistique. Au contraire, ils témoignent de l'évolution des goûts et des préférences des générations suivantes, créant ainsi un dialogue entre différentes époques et différents goûts.

De grandes proportions et richement sculptée, cette base de chandelier témoigne d'une grande magnificence et d'un grand savoir-faire artistique. La combinaison de rinceaux purement décoratifs et de formes picturales est typique de la décoration de la Renaissance du XVIe siècle.
Si les candélabres étaient utilisés pour sanctifier des objets chrétiens, ils étaient aussi indéniablement associés à l'antiquité et au culte païen aux XVe et XVIe siècles.

Les candélabres, qu'ils servent à éclairer ou à brûler de l'encens, étaient largement utilisés dans l'Antiquité et, comme beaucoup d'objets décoratifs romains, ils se présentaient sous des formes extrêmement diverses. Une promenade dans la Galleria dei Candelabri des Musées du Vatican donne un aperçu de cette variété apparemment infinie de candélabres en marbre composés d'éléments naturels et artificiels.
Au XVe siècle, lorsque les candélabres sont devenus partie intégrante d'un lexique plus large de toutes les formes 'antica, ils apparaissent le plus souvent dans des contextes sacrés. Parmi les premiers exemples conservés, beaucoup ont été produits par des artistes de Toscane, et c'est probablement là que les peintres et les sculpteurs ont exploré pour la première fois le potentiel du candélabre d'inspiration classique.
Ce candélabre, orné de formes classiques antiques, incarne l'esprit de la Renaissance, mêlant l'innovation à des motifs complexes inspirés de l'esthétique de l'Antiquité romaine. L'utilisation de formes classiques, notamment de balustres, de guirlandes et de feuilles d'acanthe, reflète un effort conscient pour évoquer la grandeur de l'Antiquité.
Le candélabre de la Renaissance orné de formes classiques antiques témoigne de la fascination de l'époque pour le passé et de son engagement en faveur de l'excellence artistique. L'intégration transparente de l'esthétique classique dans des objets fonctionnels tels que les candélabres a permis non seulement d'éclairer les espaces, mais aussi de mettre en lumière l'attrait durable de la beauté antique.


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